Exposición_ Artificios para sobrevivir. El extraño caso del ITAE (Centro Cultural Ccori Wasi, Lima)

On 10 mayo, 2011 by investigacion

Primera exposición del ITAE en la ciudad de Lima, Perú. En la Galería de Artes Visuales Centro Cultural Ccori Wasi de la Universidad Ricardo Palma. Del 5 al 31 de mayo de 2011.

Artistas Participantes: David Palacios, Ilich Castillo, Daniel Chonillo, Lorena Peña, Juan Carlos León, Gabriela Chérrez, René Ponce, Gabriela Cabrera, Oswaldo Terreros, Juan Caguana, Anthony Arrobo, Leonidas Corozo, Manuel Córdova, Daniel Alvarado, José Hidalgo, Sandra González, Romina Muñoz, Gabriela Fabre.

Curaduría: Ana Rosa Valdez y Juan Carlos León

Texto Curatorial y de cada Núcleo: Ana Rosa Valdez y Juan Carlos León / Textos Comentarios de las Obras: Artistas Participantes / Montaje: Juan Carlos León y Samuel Mestanza / Coordinación: Anita Tavera y María Eugenia Yllia / Diseño del Catálogo: Juan Carlos León / Asistencia: Ilich Castillo

ARTIFICIOS PARA SOBREVIVIR. El extraño caso del ITAE

El Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador “ITAE”, gracias a la gentil invitación de la Universidad Ricardo Palma y la colaboración de la Embajada de la República del Ecuador en Perú, presenta la exhibición “Artificios para sobrevivir: El extraño caso del ITAE”, en la cual se exponen procesos de creación artística generados por estudiantes de este instituto desde el año 2005 hasta la actualidad.

El ITAE fue creado en el año 2003 por el Banco Central del Ecuador en circunstancias bastante favorables para el desarrollo artístico (en este período se creó también el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo MAAC y se habilitó otros espacios culturales desde esta instancia oficial), y constituyó la única institución dedicada a la enseñanza artística de nivel superior en la ciudad de Guayaquil. Pero a pesar de ser una espacio de formación bastante joven, la labor realizada ha logrado efectivamente generar un nuevo escenario para el desarrollo artístico en el país, teniendo como objetivo la profesionalización del campo artístico y una formación académica de alto nivel. Actualmente, el ITAE cuenta con tres carreras: artes visuales, teatro y producción de música y sonido, y desde hace un año se ha establecido la gratuidad de los estudios, con el traspaso definitivo al sistema estatal.

Se vuelve necesario resaltar el proceso de inestabilidad que vivieron estudiantes y profesores casi desde el surgimiento del instituto para alcanzar esta transición, lo cual responde a las características de precariedad y variabilidad del contexto en que se dan las prácticas artísticas en el Ecuador, principalmente en el aspecto político. Pero a pesar de las adversidades, el ITAE logró evidenciar resultados palpables como los galardones obtenidos por los alumnos en múltiples eventos de carácter concursable en el escenario nacional e internacional. Y no sólo esto, sino fundamentalmente el hecho de que la escena  artística local se ha visto enriquecida y polemizada continuamente por las propuestas artísticas de actores culturales vinculados a este centro de estudios.

“Artificos para sobrevivir: El extraño caso del ITAE” recoge un conjunto de obras que plantean reflexiones pertinentes al campo artístico, y que activan dispositivos de criticidad para construir otras miradas en torno a ciertos temas y problemas de la cultura contemporánea. Estas propuestas son deudoras de un contexto específico, y están insertas en distintas dimensiones espaciales y temporales, por lo cual es preciso valorarlas según las reflexiones que proponen y los diálogos que se establecen con otros escenarios culturales; de esta manera podrán adquirir nuevos valores basados en las experiencias de quien las mira.

Se ha propuesto cinco ejes conceptuales que permitan evidenciar ideas en torno a los cuestionamientos a los metarelatos oficiales y la búsqueda de alternativas construidas desde reflexiones críticas sobre otros procesos de creación cultural; así como las re-interpretaciones sobre la tradición de las bellas artes y las re-definiciones de los lenguajes artísticos, ejercicios desarrollados desde búsquedas particulares en la forma de asumir los valores estético-formales en las artes visuales.

Muchas de las propuestas presentadas pertenecen a la primera promoción de artistas graduados del ITAE, otras han sido realizadas por autores que están desarrollando statements y líneas de trabajo más o menos estables. Por lo que quizás convenga más hablar de procesos de experimentación continua, y no tanto de “obra madura” en términos cerrados. Es preciso acotar además que en los últimos meses se ha observado una nueva producción realizada por estudiantes que aún se encuentran en búsquedas inciertas, pero que irán adquiriendo valor en cuanto comiencen a ser interpeladas de forma aguda. Por esto, esperamos que esta experiencia se replique a futuro, para continuar con un proceso de tráfico cultural favorable y productivo entre ambas ciudades.

Ana Rosa Valdez y Juan Carlos León

Guayaquil, 10 de abril de 2011


HISTORIAS DEL ERROR

Las obras que conforman esta núcleo cuestionan desde el ensayo realidades que tienen que ver con el fluir del tiempo construido según las coordenadas discursivas de los relatos oficiales. Permiten conciliar interrogantes sobre hasta qué punto resultan erráticos los argumentos bajo los cuales aún se amparan estas narraciones. Y adquieren un grado de coherencia estética y política al introducir la lógica del error en sus estructuras semánticas y formales. Intentan un desvío consciente en el curso que sigue la imagen apropiada en su movimiento hacia la construcción de un relato, sea documental o ficticio, dificultando su legitimación como imagen poseedora de una verdad infatigable. La estrategia consiste en intervenir de forma maliciosa directamente en sus formas de expresión retórica. Por ello Castillo recurre a las imágenes complacientes de los videos educativos, León a la representación del progreso según instancias oficiales (un video promocional), y Palacios al documento familiar que registra los intereses azarosos (pero socialmente muy definidos) de un videasta amateur. Chonillo y Peña, en cambio, traslapan las dimensiones temporales en que se insertan los personajes caricaturescos (aparecidos en una revista de los años veinte en Guayaquil) y los escenarios que construyen sus relatos visuales (lugares de la cotidianidad actual de la misma ciudad).

GLITCH ECUADOR
Ilich Castillo
Video 8´ 54´´.
2010

Un documental “encontrado” de Las Regiones Naturales del Ecuador es desmantelado para proponer un esbozo general de la nación a partir de sus postales turísticas más gastadas. Desde los movimientos clásicos de cámara (PAN LEFT- PAN RIGHT, TILT UP, TILT DOWN, etc.) se presenta una suma de trayectos infructuosos que a lo mucho no harán más que señalar las representaciones que tenemos incorporadas del territorio patrio. Esto mientras las imágenes espontáneamente se glitchean en el transcurso.

Actualidad en monos
Daniel Chonillo y Lorena Peña
Video animación 4´00´´
2010

En esta serie de pequeños videos se evidencia la capacidad de estas parodias gráficas para reflexionar, a pesar del largo tiempo que ha pasado desde su creación, y referirse a momentos actuales de Guayaquil y la sociedad. Sacados de sus espacios originales y situados en nuevos espacios (reales de la urbe) y también nuevos medios (video animación), esta obra revaloriza a la caricatura y le da nueva vida. De la misma manera que el espectador revaloriza el (aparentemente inexistente) paso del tiempo, reflexiona sobre su rutina y las otras alrededor suyo. (Memoria Gráfica 2010).

 


“Escapada”
David Federico Palacios
Video 4´ 26´´
2009

Con esta cita empiezo:

“Una obra inacabada es igual a una obra destruida”

(Johann von Göethe)

“Escapada” parte un metraje encontrado, un singular documento familiar que decidí utilizar como soporte creativo para la realización de una obra destinada a participar en uno de los mas importantes certámenes de pintura que se realizan anualmente en la escena Guayaquileña. Se trata del registro de unas vacaciones plagadas de momentos de contemplación en los que intentaba afanosamente de hacer visibles las mas naturales impresiones ante estas pausas registradas. Me pareció oportuno acudir a las definiciones de lo pintoresco del Johnson´s Dictionary y con esto llegué a la conclusión de que mi afectividad se vería correctamente representada alejándome en lo posible de toda relación con el “straight print” y corrigiendo cualquier falla en mis intensiones de crear una obra “correctamente pintoresca”. Al concluir la postproducción del video al mejor estilo de las decimonónicas “revistas de viajes” me sentí totalmente decepcionado ante los resultados, algo que resultó en el momento sumamente cómico por resultar tan patético como mis motivaciones iniciales.Continué mi investigación con ánimos renovados y me encontré con una curiosa respuesta a la obra de uno de los mas conocidos paisajistas ingleses y uno de los creadores de la idea de lo pintoresco Rev. William Gilpin.

 

Rolf Blomberg / Juan León
Juan Carlos León
Video 3´00´´
2008 -2009

El análisis sobre las políticas de ciudad y sobre su ciudadanía queda resaltado en la intervención que realizo sobre un documental del año 1956, editado por la Industria  Cinematográfica Ecuatoriana C.A., con tomas filmadas por el investigador Rolf Blomberg, donde se muestra un meeting político del alcalde de Guayaquil Pedro J. Menéndez Gilbert.

Esta obra reflexiona sobre cómo el documentalismo puede ser re-escrito y cómo las imágenes no son descripciones fidedignas de las realidades que se muestran.

La intervención de este video consistió en hacer una post-producción del documental, dividiéndolo en dos partes de manera horizontal. La parte superior del documental fue conservada y  la parte inferior se reconstruyó cuadro por cuadro con tomas actuales. Se buscó localidades con las mismas problemáticas del año 56 y se recreó cada movimiento de cámara. Los sonidos y los discursos dentro del video fueron editados, rehaciendo el contenido de lo expresado en el documental original.

AUTOPSIA DE UNA TRA(D)ICIÓN

¿Cómo asumir los valores residuales de una cultura artística sin negarlos?, ¿Cómo restituir el valor de la tradición como fondo de contraste, como punto de partida para un cuestionamiento crítico? ¿Cómo diseñar estratégicamente una traición a unas tradiciones –locales y/o universales- enmarcadas en la historia de los procesos socioculturales? En las obras convocadas para este núcleo se plantean revisiones críticas a la tradición de las bellas artes y la historia del arte local. En Villa Rosita, la autora ha desarrollado una investigación en torno a un inmueble que constituye un patrimonio arquitectónico de Guayaquil, pero que ha sido dejado en el olvido. Haciendo un uso consciente del medio pictórico, ha elegido la escarcha como un recurso material que le permite potenciar la dimensión poética de la propuesta. Centrándose en la práctica de dibujo desde un ejercicio de creación post-conceptual, René Ponce comisiona una serie de retratos con su imagen, a pintores de oficio que habitualmente laboran en parques y otros sitios públicos. La obra permite elaborar reflexiones sobre la cuestión de la identidad y su construcción cultural colectiva, a partir de las imágenes que resultan de la mirada de distintos sujetos sobre un mismo rostro. En Re-trato de pintor, en cambio, la artista ha utilizado una técnica popular de “fotografía pintada”, para realizar un retrato de Oswaldo Guayasamín, uno de los “más famosos” artistas ecuatorianos. Esta propuesta presenta un interesante ejercicio de criticidad en torno a la figura este autor legitimado por la historia del arte local, desde la ambigüedad  de la imagen, que recuerda la imaginería recurrente en hogares de clase popular.

Villa Rosita
Ma. Lorena Peña
Escarcha y goma sobre tela
3 x 2.50 m
2006

“Villa Rosita” es un inmueble edificado en el año 1935. Casa Patrimonial (antiguo lugar de sitas en Guayaquil), ubicada en Colón y Quito. La historia nos dice que su propietario la construyó con el fin de regalársela a su novia, pero ella nunca la aceptó y por despecho su dueño la abandonó (cuentan los vecinos). Después de muchos años un heredero de la propiedad pidió la casa, cuando ésta aún podía salvarse, pero volvió a abandonarla y actualmente se encuentra proceso de demolición. Imagen trabajada a través de escarcha (polvos de colores), cuya representación irónica está tomada desde el punto de vista del travestimiento que ha sufrido Guayaquil durante ya algunos años, quedando en una simple fachada (Salón de Julio 2006).

 

Los ocho yoes que no conocía o las múltiples representaciones de mí mismo y mi persona
René Ponce
8 tableros de 30 x 43 cm
dibujo al carboncillo
2008

Ocho retratos de carboncillo realizados por ocho dibujantes que apostados a lo largo del Malecón 2000 (principal punto turístico de Guayaquil-Ecuador) realizan rostros en 15 o 20 minutos. En éstos se reproducen mi imagen. Ese fue el medio de la obra. Con ello registro en el papel la formalidad del dibujo del artista popular. Y revelo las varias lecturas que ellos realizan sobre una misma imagen. Esta obra me permite además plantaer una reflexión sobre la construcción de la identidad individual a partir de lás diferentes imágenes construidas colectivamente.

Re-trato de pintor
Gabriela Cabrera
Bromóleo
40 x 30 cm
2005

Intento introducir un aura enigmática en la imagen de quien convirtiera su obra en una serie.  El carácter repetitivo de ésta devino en el culto políticamente correcto del “autor”, su origen social humilde y su supuesto compromiso social de izquierdas.  Mi obra es un registro afectivo en negativo.  Un ícono investido con el toquecito retro y low-tech que otorga la fotografía retocada.  Una intervención femenina, un maquillaje, un acto manual y un hecho vandálico sobre el patriarcado reinante y el trasvestismo étnico que caracteriza la obra del Maestro.  Una demanda crítica sobre los valores y el discurso de género dominantes en la esfera del arte en Ecuador.

POLÍTICAS SIN ESTADO (O EN ESTADOS INCIERTOS)

¿Cuáles son las formas estéticas y políticas en las que se legitiman los saberes y las experiencias que nutren una cultura? ¿Cómo se generan las imágenes que se reproducen como maneras de instituir el conocimiento? ¿Cómo operan y desde donde se construyen? En estos procesos, ¿qué figuras adquieren relevancia? Las obras presentadas en este núcleo resultan apropiadas para referir al tema –y problema siempre- de lo político en, del, desde el arte. Estas obras no sólo “reflejan” una situación política contextual, no sólo se enfocan en los desbarajustes de la empresa partidista o en las incoherentes estructuras propias del discurso político panfletario del medio ecuatoriano. Dibujan un horizonte otro, con los signos favorables de una brújula invertida, generan contrasentidos y fabrican posibilidades desde una posición crítica que confronta esa manera tan “natural” con que se da toda mitología (siguiendo a Barthes).

Lo político se manifiesta en estas propuestas no sólo referido como un interés temático que se agota en una representación sujeta a los síntomas del inconformismo, ni suspendido en las trampas de la inmediatez ética que pretende difuminar las diferencias entre el arte y la vida (siguiendo a Rancière). Conviniendo con la falsedad de la institución como una expresión del racionalismo más burócrata, Terreros y Ponce proponen “contextos” que no intentan suplir ni restituir relatos oficiales o convencionales, sino programar correlatos alternos desde la ironía y/o la ficcionalidad. En el caso de Las Brujas, el gesto de intervención en el espacio público se aleja de las retóricas de lo radical más reiteradas para proponer un cuestionamiento crítico desde un arte de políticas metafóricas. Desde un ejercicio crítico con relación al género del retrato, Caguana realiza un video con imágenes de fotografías de carnet de militares. Este autor ha centrado su producción artística en las figuras del poder, lo cual se observa en esta propuesta desde una sutileza tal que acentúa el potencial crítico de la obra.

Palabra, obra u omisión
René Ponce
Impresión digital
2009

A través de esta obra, propongo una  pequeña enmienda a la Constitución del Ecuador 2008, basándome en una cierta especulación sobre la legitimidad del respeto a los derechos y sugerencias de las minorías al momento de ser escrita. De todos los capítulos, artículos y títulos, extraigo las vocales, creando un vacío retórico que demuestra (a las consonantes) que el ser mayoría no significa mucho. Al ser “desvocalizado” el texto se asume por lógica solidaria la ausencia de las tildes, por esto lo escrito carece de fuerza de voz al intentar ser leído.

La obra presenta un mecanismo estándar y adaptable a cualquier otro tipo de texto que se maneje bajo este mismo lema, el de pretender ser una obra completa que soluciona los problemas del mundo, en este caso los del Ecuador.

Serie Banderines / Saludos a próceres que nos alimentan ideológicamente
Oswaldo Terreros
Tecnica mixta
Dimensiones variables
Movimiento GRSB

Desde el 2 de Noviembre del 2009 en la ciudad de Guayaquil se inició una campaña masiva de difusión de nuestro mensaje de emancipación, explicando el por qué de nuestra lucha, teniendo siempre como objetivo final llegar al poder y poder ser más justos con la repartición de bienestar a la comunidad ecuatoriana.

El Movimiento GRSB (GRÁFICA REVOLUCIONARIA PARA SIMPATIZANTES BURGUESES) es una entidad que trabaja con la tradición de la comunicación de masas, las estrategias de la visualidad artística (incluyendo la constructivista) y la tradición del afiche, para poder difundir un mensaje con mayor efectividad y empatía, y así las comunidades que visualicen esto logren sentir el mismo fervor con el que trabajamos nuestra gráfica y logren llegar a la catarsis.

El Movimiento tiene a su haber múltiples encuentros en los que las diferentes comunidades han tenido la oportunidad de participar.

La Serie Banderines / Saludos a próceres que nos alimentan ideológicamente. Es una serie de saludos fusionados con pensamientos asimilados por nuestro movimiento para alimentar nuestra lucha y nuestra motivo de existir. Es un homenaje simbólico de parte de nuestros militantes a nuestros próceres del pensamiento.

Oswaldo Terreros. Presidente Vitalicio. Movimiento GRSB.

Un paco es un paco
Juan Caguana
Video 9´00´´
2008-2010

Esta obra se desprende del genero del retrato fotográfico específicamente de tipo carnet institucional. Trabajo con dos ideas básicas que me gustaría indagar mas a fondo, y es la idea del loop (el continuo retorno, infinito…) y la transición, la disolvencia, el desdoblamiento de la imagen accionado por el tiempo, la lucha constante de la imagen por devorar a su antecesora y trasformarla en otro elemento que contiene a la anterior así, cíclicamente hasta que regresa a su modelo inicial…

Flores de gato
Colectivo Las Brujas (Gabriela Cabrera, Romina Muñoz, Gabriela Fabre)
Intervención en espacio público / Instalación
Cinta adhesiva y ojos de gato
Dimensiones Variables
2010-2011

El paisaje de la ciudad no sólo es la imagen de un territorio, sino también la experiencia urbana que evidencia la práctica cotidiana del andar. Proponemos un ejercicio decorativo con cientos de luminarias fluorescentes tipo “ojo de gato” normalmente utilizadas para resaltar la presencia de vehículos en la oscuridad, recontextualizándolas en el espacio liminal entre vereda y vía vehicular a modo de señalética. La mayor parte de  nuestras obras revelan un concentrado interés en el ámbito de lo doméstico y de las pequeñas tácticas ciudadanas que sortean la búsqueda de una mejor forma de habitar.  Sentimos la necesidad de detenernos en las estrategias de construcción del paisaje, revisar los modos de acción sobre los procesos de esa construcción. Utilizamos materiales industriales, propios de la arquitectura, pero no exentos de una carga estética renovada por la cultura popular.

INDICIOS EN LA SOSPECHA

Este núcleo presenta una mirada sobre nuevas búsquedas que están realizando algunos artistas vinculados al ITAE, en la cual se manifiesta un profundo alejamiento de los discursos basados en lo social, y las retóricas más desgastadas en torno a la inmediatez del arte con respecto a su entorno cultural. Estos autores han optado por poner en valor los aspectos formales del arte desde diversos ejercicios de experimentación con el material, la técnica pictórica, gráfica o fotográfica, y las formas de montaje y presentación de arte. Pero aunque son obras que recurren al lenguaje abstracto, no continúan con el discurso de la autonomía del arte y la primacía del oficio, sino que más bien potencian los valores estético-formales de la obra para establecer reflexiones válidas sobre los usos y recursos del arte contemporáneo, desde conceptos ampliados de pintura y dibujo, o reestableciendo el sentido crítico en un formalismo de nueva data.

 

Red Curtain
Anthony Arrobo
Capas construidas netamente con pintura acrílica roja
260 x 364 cm
2010

En línea general, mi producción pretende activarse por el encantamiento de una “factura” repotenciada del medio pictórico, como también de ciertos aconteceres visuales que en la cultura tienen el estatus de fenómenos convencionales. Hay una reflexión en la cual mi trabajo está inscrito, y es la distancia que hay entre el fenómeno real y lo que subjetivamente contemplamos: el hecho y su posterior interpretación que pueden conducir a una situación de duda y constatación perceptiva. Entre otras cosas me interesa pensar el color: sobredimensionar la condición de “telón de fondo” que tiene y la dimensión cultural del mismo. Red curtain se inscribe dentro de estas reflexiones, además de reconsiderar uno de los ardides más sedimentados de la tradición pictórica: el trompe l’œil.

 

Bucle
Leonidas Corozo
Impresión fotográfica
Serie de 12 fotografías
2010

La serie Bucle se agencia en la búsqueda  de establecer o crear paralelos entre la definición y la resolución en la imagen digital. Empecé estableciendo proyecciones bajo cero, las mismas me permitieron tener un mejor termómetro en el proceso de redireccionar la obra. Quería conseguir un sustrato pictórico,  por lo que traté de llevar al límite la resolución de cada imagen, y como resultado me diera otra imagen, y a su vez potenciar y recomponer el sustrato plástico de esta nueva imagen.

Surgiendo vestigios ambiguos tanto de realidad como de ficción relacionados con la serie, muchas eran preguntas y respuestas encapsuladas en sí mismas. El proceso podría definirse en una inducción constante en busca de develar otras posibilidades de la imagen.

 

Red Gradient
José Hidalgo
Lápiz de grafito, lápiz rojo sobre papel
3.80 m x 4 m
Montaje Variable
2010

Statement

Red Gradient  explora las condiciones del dibujo como campo de color, desplazando a la línea como articulador hegemónico de su estructura gramatical y conservando perversamente intactas las dinámicas tradicionales del dibujo. Con esta obra intento potenciar la condición pictórica de la superficie del dibujo a través de la heroicidad de su escala, una asociación consciente y deslocalizada de muchas de las reflexiones de la abstracción post-pictórica,  y una voluntaria e ineficaz auto-exigencia    de homogenizar la transición de los colores/materiales (lápiz grafito y lápiz de color rojo) dispuestos en el plano “pictórico”;   mas, siempre reafirmando/exhibiendo su condición de dibujo mediante la materialidad  involucrada y  su disposición en el espacio museable (lápices de colores, grafito, papel y una sugerencia de levedad en el montaje sugerente levedad).

“Cayó dulcemente, como cae un árbol. Ni siquiera hubo ruido, lo silenció la arena”
Manuel Córdova
Instalación en foamy
Dimensiones variables
2008

Explorar el espacio entre las dos dimensiones y tres dimensiones, pintura híbrida y escultura. Me interesa la construcción de esculturas e instalaciones pictóricas. Estoy interesado en el uso de la pintura como matriz para trabajar en contra y poder exprimir otros recursos. La pintura, sus colores y formas me sirven como fuente para extraer las cualidades formales y re-inventar los límites de la pintura.

Mi inquietud por querer una plástica muy diferente me llevó a experimentar con diversos materiales que me ayudaron a introducirme y a entender el amplio concepto de la pintura y escultura desde una perspectiva contemporánea. “FOAMY”, espuma de polietileno ó goma EVA es el material que me dio la posibilidad de proyectar, junto a las cualidades de su forma, una textura, un efecto visual basado en la fragmentación del campo plástico, dando así cuerpo al campo pictórico bidimensional, con ayuda del material.

Decidí preocuparme principalmente por el sentido formal de mi obra, ya que el material y el campo de significados que yo llegaba a ver me lo exigía. La representación y la apropiación en mi obra juegan mucho con este modus operandi, esencia del cual quiero ser riguroso pero no exacto. A partir de lo que nosotros podamos distinguir, aquello que recordamos de aquello que nos consumimos.

En esta romántica ambientación se despiertan los recuerdos y se exhorta el deseo. Al plantear la indecisión ante el ansia y la saturación, el exceso y el hastío, consigo intranquilizar los sentidos y trastocar la percepción del humano y sus recuerdos, su memoria.

 

“Splash” y “Paisaje protometonímico”
Daniel Alvarado
Acrílico sobre lienzo
2010

En mi proceso de trabajo está, aunque no implícita, la espera por el acontecer de imágenes. Cuando se da, no suelo reconocer procedencias, no repongo en ellas; sin embargo asumo una labor, la de modular sus proyecciones, materializarlas y garantizar su existencia, en este caso a través de la pintura (y el sistema del arte). Hay imágenes que tienen el derecho de existir, supongo.

He escuchado hablar sobre mi trabajo en claves de mutismo. Me interesa el espacio indeterminado que existe entre acontecimientos objetivables, en los que el silencio inaudible esconde a la muerte, su devenir perpetuo. La imaginación a mi parecer nace como posibilidad de superarla, en breves y fugaces instantes. La manera: ensayando y errando sin contemplaciones.

ÍNTIMAS AFECCIONES

En este núcleo se presenta el trabajo de dos autoras cuyas prácticas de arte han seguido líneas bastante distantes y diferenciadas en sus pretensiones e inquietudes estéticas. Gabriela Chérrez ha desarrollado una obra basada en planteamientos sobre el tema del sexo, el eros y el cuerpo en diálogo con ideas post-feministas, utilizando recursos no convencionales en la pintura y otros medios como el sonido y la instalación. Sandra González, en cambio, ha venido desarrollando ilustraciones orientadas a la creación de personajes insertos en narrativas literarias. En éstas se observa la influencia de los imaginarios infantiles vinculados al consumo de caricaturas y cuentos de hadas, de esta forma ha dado lugar a la creación de obras pictóricas, dibujos e instalaciones. El trabajo de las artistas, a pesar de ser tan distinto, encuentra un punto en común: la forma de asumir los relatos visuales que mantienen en latencia una cierta autorreferencialidad, y una preocupación por expresar cuestiones íntimas, relaciones, afectos…

Reforma Curricular
Gabriela Chérrez
Serie de retratos
Impresión fotográfica
2010

La obra es de co-autoría con Jimmy Mendoza (un dato que no puedo dejar de contar de este artista es que fue dueño del bar más underground de Guayaquil, el “Cacao”, cerrado hace un par de años por el paso de la regeneración urbana), quien actualmente reside en Francia.

Reforma Curricular está conformada por 5 autoretratos fotográficos, en los que estoy vestida con uniformes de colegios fiscales (los más emblemáticos de Guayaquil, el 28 de Mayo, el Rita Lecumberri, el Dolores Sucre, entre otros. ). Las fotografías están impresas sobre cartulina y tienen debajo una frase en taquigrafía (sistema de escritura rápida que se enseña en la mayoría de los colegios de señoritas ). Las frases son versos de Jimmy, enviados desde Francia después de ver las fotos.

Las imágenes intentan provocar lo libidinoso de Jimmy. Para los que saben taquigrafía, conocerán qué tan eficaz fue la obra; para los que no, pueden escribirme a mi correo  gabycherrez@hotmail.com y les puedo contar lo que dicen los versos.

Gabriela Chérrez
07, abril 2011

15

Petro Lapin
Sandra González
Instalación de dibujos
2010-2011

 “Petro nació un domingo después de comerme toda la miel de un tarro muy colorido. Es judío. Siempre está con los ojos desorbitados y muy abiertos. Suele mirarme con un poco de temor –o al menos eso creo- porque como se le desorbitan los ojos nunca sé si realmente me está viendo.

No nos llevamos muy bien porque él come conejo y a mí me da pena por los conejos, pero él me dice que yo como pollos, vacas, chanchos y peces.

Aparte de andar siempre con su hacha, es guía de un bosque que todavía no logro imaginar, o al menos no me he animado a ponerlo en un papel. No sé si sea correcto llamarlo guía,  porque se la pasa diciendo mentiras -igual que yo- y hace que todos nos perdamos dentro del bosque lleno de murciélagos y de luciérnagas.

Él dice que es mejor perderse y disfrutar del camino más largo. No entiende nunca porqué siempre la gente quiere salir más rápido de todas partes, tampoco entiende porqué piden direcciones a alguien con los ojos tan desorbitados.”

 

IMÁGENES DE LA INAUGURACIÓN

 


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