Exposición_Esta página ha sido intencionalmente dejada En Blanco

On 14 abril, 2011 by investigacion

Curaduría: Jorge Oña y Dennys Navas. 
Diseño y Montaje: Santiago Sojos.
Gestión: Santiago Sojos, Jimmy Lara.

 

Los procesos curatoriales pretenden bajo su discurso oficial, establecer una forma específica que facilite la relación entre el espectador y la exhibición, es decir, una suerte de Manual, un “How to” que indica una posibilidad de acercamiento y confrontación a la muestra de acuerdo a ciertos criterios que pueden preceder o suceder la producción.

Ciertas agendas curatoriales desarrolladas en consecuencia con el proyecto de turno que atienden, definen su eje temático a priori –cuando la producción se da bajo encargo– o a posteriori –cuando hay una selección determinada– en relación a una disponibilidad de obra. Así, estos son resultados de una metodología que se facilita por su origen.

Esta propuesta curatorial tienen un sentido crítico con el proceso de curaduría  per se, sin pretensiones conceptuales densas pero que sí cuestionan este ejercicio. Para hacerlo, usamos como referencia:

En primer lugar, la idea de Guía de Usuario, documento instructivo que señala cómo funciona tal o cual sistema.

De forma similar a estos Manuales, los cuales con un texto indicativo y una serie de ilustraciones dirigen al usuario en el recorrido o entendimiento de un sistema particular, una exhibición se compone de textos-descripciones –en voz del curador– y obras que ofrecen al espectador diversas connotaciones.

Claro está, la Guía de Usuario posee un carácter técnico y denotativo en su contenido, siendo por su función, determinante.

En segundo lugar y a propósito del título de la muestra. Entre Manuales y otro tipo de documentación, tanto impresos como digitales, aparecen ciertas páginas en blanco muy particulares con la leyenda “Esta página ha sido intencionalmente dejada en blanco”.

Originalmente, estas páginas eran el resultado de procedimientos técnicos de impresión fallidos y con el fin de evitarle una preocupación al lector por la posible falta de información crucial, se utilizaba este enunciado para reafirmar la naturaleza vacua de la página. Actualmente pueden servir como separadores y/o páginas de relleno y siguen siendo consecuencia de consideraciones técnicos.

De esta manera, en el momento en que la frase aparece, ocurre sendo fenómeno, una “tautología paradójica”; la página no está más en blanco, efectivamente reafirmando como intencional la ausencia de contenido (tautología), siendo esta una declaración falsa y el contenido en sí mismo (paradoja), adquiriendo una autosuficiencia en medio de una documentación concreta.

Allí en donde el Manual de Usuario indica una forma específica y restrictiva de uso, estas páginas en blanco se presentan como un espacio neutral autocontenido.

Esta exhibición no ha sido concebida bajo encomienda ni ha sido una selección determinada de obras. Es una muestra con una marcada heterogeneidad de criterios y propuestas, tanto en los aspectos formales como conceptuales, debido a que se trata de un despliegue de producción que se ha gestado al interior del cuarto y último nivel de la clase de Proyectos en el ITAE, en donde artistas emergentes esbozan primeras instancias de líneas de investigación, siendo la experimentación y el error instrumentos fundamentales para atender sus preocupaciones individuales, primeras obras-bosquejos que en mayor o menor medida sirven de pauta para una investigación personal sostenida.

Debido a esto y al carácter de ensayo de la muestra, apelamos a la Neutralidad como discurso válido, por lo que preferimos y consideramos prudente y pertinente el concepto “Esta página ha sido intencionalmente dejada En Blanco”; pues imponer un eje temático rebuscado podría ser un intento frustrado o quedar en un querer ser al pretender encontrar un hilo conductor en un campo con prácticas artísticas de intereses y formalizaciones tan diversas y tempranas.

Sin embargo, de la misma manera en que esta frase niega el vacío al reafirmarlo, estas obras suprimen toda neutralidad. Una página dejada intencionalmente en blanco, aparece como un lugar que permite una amplia gama de relaciones en donde el espectador/usuario es libre de toda lectura e interpretación –como siempre ha sucedido–.

“…pues es ahí, en esos pocos milímetros de blancura, en la arena calma de la página, donde se anudan entre las palabras y las formas todas las relaciones de designación, de nombramiento, de descripción, de clasificación”.

Las descripciones son nuestras, las relaciones son suyas.

Jorge Oña y Dennys Navas

Pintores ,Guayaquil, marzo de 2011

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A Post-AnangaRanga.
Alexandra Cedeño.
Papel de placenta humana.
180 x 100 cm

Los intereses de Alexandra se centran fundamentalmente en la biología y bioquímica humana y por otra parte, en la práctica de los medios y géneros académicos tradicionales del arte. Experimentando constantemente procesos químicos y de reciclaje de desechos humanos, en los cuales a través de complejísimos procesos técnicos, revierte la grotesca apariencia de diversos tejidos humanos desechados en elementos de altísimo valor estético, cual verdadera alquimista. De esta manera obtiene un soporte exquisito al someter grandes cantidades de placenta humana a estos procesos complejos; el resultado es una especie de papel delicado y de forma muy atractiva per se y que invita a ser intervenido.

En A Post-Ananga Ranga, Alexandra dibuja sutilmente parejas en posiciones amatorias, cual ilustraciones eróticas del original libro del Ananga Ranga, un manual antiquísimo que instruye en las artes amatorias para prevenir la fatiga y el aburrimiento vía armonización mediante el gozo, evitando así el colapso de pareja. El resultado es un dibujo ambiguo que como una suerte de palimpsesto se pierde y aparece entre los pliegues y bordes del papel.

Alexandra inaugura entonces, una amplia gama de sentidos, en donde la placenta en tanto órgano fundamental que sostiene la vida en sus primeras etapas, se utiliza ahora como sostén simbólico de aquellos acontecimientos previos que le permitieron ser, volviendo todo un proceso científico en una poética muy sublime.

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Once upon a time…
Jorge Oña
Acuarela sobre cartulina
110x75cm

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Jorge, con un marcado interés en los medios tradicionales del dibujo y la pintura, desde un ejercicio exhaustivo en el oficio de éstos, busca actualizarlos de sentidos en sí mismos, en tanto soportes “aparentemente agotados”. Obsesionado con la forma y el efectismo, conciente del señalamiento de corte peyorativo al que se suele juzgar esta posición, pretende simplemente, extrañar al espectador y provocar incertidumbre y fascinación en su retina, sin “adornos conceptuales”

También artista emergente, sumergido en una amplia experimentación, es recurrente entre su trabajo diálogos con la historia del arte, apropiándose de obras, convenciones y/o ideologías como estrategia.

En Once upon a time… presenta una “parodia melancólica”, utilizando un icono tradicional de la historia del arte,“Merienda Campestre” de Manet, en un juego simbólico en el cual mediante un cambio de perspectiva, reproduce parte de esta pintura, a la que alude en tanto inicio –oficial– del Proyecto Moderno, representando a sus protagonistas cual abandonados, perdidos, en medio de una especie de bosque, como un cuento que quiere empezar; una suerte de negación y olvido, metáfora de un resentimiento por la frustración resultante de los ismos modernos.

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HortusGardinus.
Dennys Navas.
Tempera, grafito y esferográfico sobre papel.
200 x 110 cm

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Las preocupaciones de Dennys son por sobre todo, pictóricas. Apropiándose de imaginarios de la cultura subalterna, hace uso de elementos que son identificables inmediatamente con esta y otras formas sociales.

La posición de su mirada se enmarca bajo ésta realidad y no desde una perspectiva ajena. Sin embargo, cabe recalcar que sus propuestas, en ningún momento poseen intento alguno de reivindicación social ni pretende re-presentar a la “periferia” bajo un agotado discurso resentido.

En su obra, a través un particular ejercicio de dibujo y pintura, la combinación entre elementos que provienen de los más contrastados estratos sociales, provoca una imagen muy sugerente que cuestiona sutilmente estas realidades en tanto construcciones culturales.

HortusGardinus es una obra que se define bajo el carácter de proyecto, en donde presenta un Paisaje Utópico, un modelo urbanístico con viviendas de características precarias cubiertas con jardinería decorativa-defensiva, predominante en complejos residenciales y lujosos domicilios.

El jardín, como paisaje natural urbano, en el sentido contemporáneo, se implementa cuando el pueblo francés descubre los exuberantes jardines aristocráticos del siglo XVIII, tras la agitación de la Revolución Francesa. De esta manera, la obra adquiere sentidos históricos, reafirmando también las connotaciones actuales.

“El término “jardín” conocido desde el siglo XII, parece provenir del compuesto latino-germánico “HortusGardinus” que significa, literalmente, “jardín rodeado de una valla”, como si el jardín tuviera que defenderse contra los animales e incluso de ladrones”.

*Dennys Navas, declaración sobre la obra

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Grado cero.
Jimmy Lara.
Fotografía diluida y acrílico sobe lienzo.
180 x 200 cm

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La investigación de Jimmy escudriña bajo una intensa experimentación los medios en sí mismos y los sentidos generados al actualizarlos y confrontarlos.

En Grado Cero, el artista en una suerte de deriva situacionista, encontrando al andar, ha hecho un registro fotográfico de lugares en desalojo en donde las viviendas que no constan legalmente como parte de la urbe, han sido derribadas.

Jimmy extrae el tinte de estas fotografías a través de un proceso químico, disolviendo la imagen como metáfora de derrumbamiento, luego mediante el ejercicio de la pintura utilizando el pigmento extraído, reubica estas “representaciones/estructuras caídas” sobre el plano pictórico, en el cual ha reproducido parte de la retícula cartográfica de la ciudad en donde se ilustran los sectores fotografiados.

La contradicción se evidencia como elemento discursivo; construir a base de ruinas; la persistencia de la imagen tecnológica versus la inherente fragilidad a la que la somete la voracidad mediática. Esto remite a la inestabilidad de la memoria, al inevitable agotamiento prematuro que sufre la imagen en la cultura de lo inmediato, así también, reflexiona sobre las condiciones que configuran el paisaje urbano.

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Retazos de actualidad.
Santiago Sojos.
Políptico, mixta sobre tabla.
Medidas variables

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Los intereses en la producción de Santiago parten de la percepción condicionada de la representación, que obedece a convenciones arbitrarias, utilizando imágenes comprometidas con medios de reproducción mecánicos asociados estrechamente al diseño gráfico; en el espíritu warholiano enfocado a las referencias familiares, la cultura popular, la valorización de objetos considerados de estéticas anacrónicas, además de la intervención en el espacio público y la utilización de imágenes que no exigen conocimiento académico o formación especial.

Santiago extrae publicidades que se anunciaron en revistas de distintos géneros, las cuales aparecieron y tuvieron un auge a inicios del siglo pasado entre 1900 y 1930; anuncios muy particulares que publicitados en la actualidad causan por su extrañeza, una interpretación risible.

Retazos de Actualidad es un políptico ordenado en forma aleatoria, sujeto a una variabilidad en su composición y dimensiones por su carácter de work in progress, en el cual mediante el ejercicio artesanal de rotulación y serigrafía, modos precarios de hacer publicidad tradicional muy arraigados en la urbe popular, se apropia y reproduce a gran escala estos anuncios en forma de letreros y rótulos sobre madera.

De esta manera, ante la generalización de la reproducción serial casi ilimitada y al carácter deshistorizante que ésta le atribuye, inmersa en un contexto tecnológico, el proceso de re-presentar estas publicidades anacrónicas evoca esa aura benjaminiana y las reivindica como una estética de valor en la búsqueda de una memoria histórica colectiva.

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Tabla-Canto-Testa.
Pedro Ciales.
Instalación-varillas de hierro.
Medidas variables

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Pedro trabaja cuestionando los dispositivos de representación mimética, en donde la realidad se conjuga con ésta, señalando la dudosa procedencia de las imágenes y la incierta apariencia de las formas o vulnerabilidad de los sentidos.

En Tabla-Canto-Testa, mediante un sutil ejercicio de dibujo, haciendo uso de la forma más elemental que constituye y representa el espacio, un cubo, recurre a las mismas varillas metálicas que subyacen las construcciones arquitectónicas y fabrica este trampantojo que pone en evidencia, cual radiografía, el esqueleto de una pared revelando sus unidades constitutivas, los ladrillos y en donde más que afirmar, plantea interrogantes sobre el espacio como una construcción psicológica.

Chopi.
Roger Pincay.
Video instalación.
30’00”

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Roger hace una intensa investigación de corte antropológico en su entorno habitual, apropiándose de experiencias y fenómenos sociales de su geografía inmediata, canalizándolos en sus prácticas, en cuya preocupación se evidencia un interés por el lenguaje y lo enigmático en lo cotidiano.

Con gestos sutiles, el artista desata una serie de connotaciones que descolocan al espectador e invierten su espacio-tiempo psicológico.

“Mis vídeos son en gran medida producto de la intuición con el medio en lugar de la experiencia, situación reflejada por la honestidad cruda de mis obras. Para algunos videos, escribo el guión, escojo la música y luego le digo al actor y extras qué hacer; en otros, los personajes podrían estar haciendo sus propias cosas y yo, talvez en la manera en que actúa un Voyeur, grabo sus palabras, acciones o sucesos, escenas que más tarde manipulo y reinterpreto en mi equipo”.*

En Chopi, Roger elabora una “narración” en donde presenta a un par de perros encerrados en un bus urbano, quienes cuidan del vehículo durante la noche, en una locación cercana a su casa. Las características del contexto sugieren continuamente la probabilidad de algún evento insospechado, lo que incita al espectador a permanecer contemplando el video hasta su desenlace.

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Adoración a la mentira.
Olga Lagoutenko.
Laca y pigmentos sobre madera.
70 x 50 x 60 cm

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Olga, de origen ruso, nutre su obra de una poética muy particular que guarda un romanticismo cautivador y de una ambigüedad que enmascara en una suerte de fábula, reflexiones filosóficas y éticas. Haciendo uso de una simbología e imaginarios propios de su cultura natal y de elementos convencionales del teatro y la ilustración como instrumentos para la formalización de sus propuestas.

En Adoración a la Mentira, Olga se apropia de un cuento tradicional ruso del siglo XV, una alegoría que narra:“La Mentira, envidiosa de ver a la sonriente y engalanada Verdad cómo agradaba a la gente sencilla, la engañó y emborrachó para luego llevarla a su cueva, en donde la golpeó y le arrebató su hermosa vestimenta. Habiéndose hecho con la apariencia deseada, la Mentira encantó a la gente, mas cuando la Verdad salió de la cueva con los harapos de la Mentira, fue ignorada y rechazada, pues la gente prefiere a la Bella Mentira antes que la Desagradable Verdad”.

Olga formaliza esta narración mediante una estructura pictórico-instalativa, en donde el hilo narrativo ha sido alterado por los planos pictóricos, así el espectador debe desplazarse para poder apreciar la obra en su totalidad, adquiriendo la pieza un sentido performático.

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Ritual: del Acto Sagrado, un Acto Impío.
Joshua Jurado.
Video instalación.
20’00”

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Joshua presenta este videoperformance, haciendo uso del video no como simple documentación, sino como contenido que confiere sentido al presentarse a manera de registro de un acto pagano en donde proclama una autolegitimación cual Artista, acto que se consuma al calor de su hogar, aludiendo a la intimidad y por añadidura la permisibilidad que provee este lugar, en lo que él considera una parodia crítica a las hegemonías de poder elitistas de los circuitos artísticos.

Una acción, en la que se atribuye facultades chamánicas, pretendiendo así recuperar el Ritual como instrumento calificador, utilizando la máscara a manera de elemento purificador-mediador, acto simbólico en el cual se despoja de su identidad al cubrir-moldear su rostro y aparecer en un estado neutral, en donde el

Yo se disuelve para luego descubrirlo reapareciendo a manera de un “Yo-Artista”.

Cabe mencionar que Joshua proviene de una acentuada práctica de la escultura, algo que se sugiere en el gesto de moldear su rostro, así también la utilización frecuente de dispositivos electrónicos, creando objetos dinámicos; su interés recae en la relación arte-vida-tecnología, una relación que en la visión del artista es estrictamente íntima.

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Catálogo de la exposición
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