EXPOSICIONES. FINAL DE SEMESTRE. Marzo 2015

On 8 abril, 2015 by investigacion
*
ITAE EN LA MIRA. Un paneo por las exposiciones de final de semestre
*
Por Lupe Álvarez

El mes de marzo ha sido prolijo en exhibiciones del ITAE. Cinco muestras (para señalar sólo aquellas que han salido de las cátedras)[1] que representan importantes desplazamientos del aula, sus debates y desvelos, hacia la circulación cultural.

La avalancha “no es pura coincidencia”. Alude al propósito de romper las barreras del recinto estudiantil que esta institución académica ha practicado desde su fundación, el mismo que ensaya completar ciclos y socializar aquello que se cuece al interior; eso que está animado por objetivos docentes puntuales, pero que, sobre todo en esta oferta, al insertarse en cátedras que problematizan el horizonte disciplinar, sin necesariamente abandonarlo, apertrecha diálogos abiertos, necesarios puntos suspensivos y modos de apreciar con mayor discernimiento, ese espacio cultural ampliado que el arte ocupa.

En estas muestras, estudiantes y profesores, en el seno de una colectividad articulada desde las aulas, ejercitan al   mismo tiempo que enfrentan, los retos del “cubo blanco” más allá de concebirlo como espacio neutro.

El ejercicio de la exposición no solo ayuda a que se socialice el trabajo pedagógico del ITAE, a que se conozcan los logros de los estudiantes que paulatinamente alimentarán la escena y el de los jóvenes profesores que han sido protagonistas y agentes de trasmisión de nuestra pedagogía, que aquí se ensayan como curadores. También es un ejercicio de aprendizaje en la idea de poner juntas y de manera orgánica – lo que va lo uno al lado de lo otro -, una serie de significaciones que laten en las poéticas particulares de los estudiantes.

La práctica de mostrar aveza a sus hacedores en las connotaciones del espacio como entidad (no sólo física), en la que se pactan significaciones complejas implícitas en la cualidad misma de los procesos de producción artística. Constituye también un ejercicio para considerar nociones de escala y puesta en escena y afirma el fogueo con la economía de las obras; eso que es tan importante para los artistas, profesores o curadores que son responsables de encaminar aquello que las propuestas detonan. Es un trabajo que brinda la oportunidad de idear mediaciones para facilitar el acceso del público a ciertas matrices perceptivas que no sólo están en las particularidades de las obras, sino que subyacen en los discursos que implícita o explícitamente las relaciona.

En el arte, como en todo, estamos urgidos por señalar la importancia de la facultad de relacionar, de establecer vínculos, de encontrar sentidos en eso que se nos presenta aparentemente en su soledad y aislamiento. Cuando propuestas supuestamente disímiles conversan a partir de cierta elaboración discursiva se genera un contexto donde emergen esas lecturas tenues y a la vez densas que penden de las relaciones entre las cosas. Vincular y ver más allá de lo inmediatamente dado, son actos que emplazan con firmeza, no solo la visión, descubriendo sus trampas, sino que actúan develando eso que las imágenes en su superponerse, nos devuelven.

Al margen de este empeño, ya de por sí valorable, hay otros réditos que me interesa señalar. Se trata, ante todo, de procesos de autoconciencia creativa y de construcciones en medio de un colectivo dialogante que se genera en el aula. Esto ha sido claramente señalado por los docentes- artistas que acompañan dos de estas muestras.

José Hidalgo- Anastacio menciona un acompañamiento crítico productivo que alterna con conversaciones personalizadas con cada uno de los participantes. Bajo la consigna de hacer y el hábito que esto asienta, Hidalgo engarza su ejercicio de cátedra en la idea de que

“El hacer convierte toda conciencia-en-torno-a en tangibles tentativas in-situ, que diversifican el cómo interpretamos el mundo y cómo parecen funcionar las realidades cotidianas”[2].

Como plataforma de la cátedra y basado en este accionar, convoca a verbos inductivos como observar, entender, creer, decir, leer, vincular, cuestionar, ensayar…

Es esto en rigor lo que se observa en la muestra que emplazó en la sala multifuncional del MAAC, un lugar que siendo él mismo un despropósito, dada las pésimas condiciones que tiene como espacio de exhibición (este punto da para otro texto), dejó ver un enunciado museológico bastante pulcro y claro en relación con el sentido que los proyectos impulsan. Al menos para mí, que me interesa fundamentalmente la dimensión pedagógica es pertinente tomar en cuenta estas consideraciones que fundamentan el resultado y lo hacen valer en la intersección entre testimonio pedagógico y curaduría.

Daniel Alvarado, otro de los profesores acompañante de los procesos reseñados, planteó a los estudiantes un ejercicio de escritura, una especie de autoconciencia encaminada por medio de preguntas básicas,  a reconocer el sentido de trabajo individual en relación con la práctica del dibujo. Al mismo tiempo les conminaba a esbozar problemáticas pertinentes para el escenario cultural contemporáneo que advirtieran de nexos con sus propias prácticas artísticas. Este es un recurso usado comúnmente en los diferentes niveles de la Cátedra de Proyectos que traza una línea continúa entre lo que podríamos llamar espacios de práctica, de “hacer” (como enfatiza Hidalgo) y las materias teóricas (fundamentalmente el bloque de Historias), donde, más allá de la historicidad en el sentido cásico del término, se dibujan los mapas conceptuales y las orientaciones ideo- estéticas moduladas en el amplio y tenso espacio del arte contemporáneo.

Sobre los beneficios del método Alvarado señala: “El ejercicio en rigor, serviría para aterrizar, en sus propios términos (de cada estudiante), todo aquello que se puso en discusión a lo largo de la clase. No estaban enfocados al desarrollo de statements en sentido formal, aunque indudablemente servirían de insumos para ello. Tanto así que a partir de dichos textos pude articular el proyecto curatorial que se presentó en Nominimo”

El resultado, una muestra autosuficiente, cuidada y armada de sofisticación presentacional y discursiva, una oferta meritoria, sin dudas, que seguramente dejó un saldo importante en los hacedores como colectivo y una buena impresión en los visitantes.

La muestra ( como el modo de poner en escena) que a mí, al menos, me dejó con un plus en cuanto a trabajo en el espacio, intensidades en los materiales presentados y dramaturgia – tratándose de una muestra de puro video es importante destacarlo –, fue la de la Cátedra de Puesta en Escena de Jorge Aycart. Como cualquier muestra donde el video campea, la demanda al espectador de tiempo, atención, es un reto, así como la generación de ciertos y tenues hilos en los que algún tipo de narrativa tuviera lugar.

En mi experiencia de la misma, al principio dominó el desconcierto, los tácitos forcejeos con la exigencia de significados que nuestros esquemas aristotélicos de ordenamiento del mundo proyectan. El desacomodo como sensación amenazadora y ese espacio que conozco tan bien, subsumido y dimensionado a la vez. Luego, en medio de la sala, sin esperarlo, como si fuera una obra más, ese texto de Aycart breve y tan pleno en acentos como para acompañar adecuadamente lo que allí estaba dicho: una sensación, un espíritu de conjunto que aparece en el mismo plano de esos textos visuales. Para mí, una excelente decisión que presiona sobre la necesidad de buscar sentidos en la situación perceptiva misma, en la función mediadora donde contar, está de más.[3]

Es una pena que no haya habido una articulación espacial entre el espacio principal de las salas y los módulos. La falta de señalética atentaba contra la posibilidad de ver la muestra completa

Me llama la atención que, tanto la muestra de Alvarado como la de Aycart, tomen como leitmotiv imágenes sombrías, aunque productivas. Ambas, metáforas inscritas en los textos que abocan a comprensiones alternas, inscritas en una simultaneidad llena de fragmentos dentro de una unidad impracticable.

Los fantasmas del vacío, la pérdida de orientación, el derrumbe, la imposibilidad de lo predecible, el agujero… ¿son esas sombras las que hacen del mundo de estos jóvenes una maniobra de lanzamiento de dados?

¿Qué nos deparará el final de la jugada?

 

Nota:

La muestra de Proyectos IV que tuvo lugar en DPM, cuyo profesor es René Ponce, no la comento como muestra, porque a mí, al menos, no me pareció que tenía la intención de presentarse como tal, ni se vislumbraba articulación que no fuera el acomodo al espacio.

Sí que había procesos interesantes y coherentes dentro de ese “más” que necesita una propuesta en sus desarrollos y puestas en escenas. Los dibujos Alexa Brito me prendieron, así como la intensidad que puede observarse, y potenciarse, en un proyecto como el de Luís Andaluz. Podría comentar otros…

La muestra de Pintura IV arbitrada por Dennys Navas no la pude ver, por lo que siendo de pintura no me lanzo a comentar a través de la documentación-

[1] En la documentación que respalda a esta nota están consignadas cada una de estas muestras, los objetivos académicos que las fundamentan y los criterios que las articulan. 

[2] Tomado del texto que preside la exposición de la cátedra de José Hidalgo- Anastacio.

[3] Me vino a la cabeza ese comentario tan avasallador de Didi Huberman que al menos en mi, tanto resuena cuando dice: “Tengo una experiencia que se repite. Estoy en un museo o donde sea y me encuentro con una imagen que me interesa. Y en ese momento no tengo nada qué decir, no hallo las palabras, soy incapaz de lenguaje, es un momento de silencio, la imagen tiene el poder de privarme de mi lenguaje”. Tomado de: http://blogs.publico.es/fueradelugar/183/las-imagenes-son-un-espacio-de-lucha.

*

*

Pareidolia

EXPOSICIÓN. PROYECTOS IV
Profesor. René Ponce
Galería DPM
*
11039117_1071459132880573_8488484353118246533_o

DSC_0204

DSC_0189

 Luis Andaluz

SONY DSC

SONY DSC

Alexa Brito

*

DSC_0163

Luis Medina

*

DSC_0198

*

DSC_0172-r

DSC_0175

Manuel Córdova

*

DSC_0176

 José Pinto

*

DSC_0179-r

Rossana Martinez

*

DSC_0169-r

 Mónica López

*

DSC_0182

The CMPLX
Xavier Coronel
Video, 7’03”
2015
*
*
*
El hábito de hacer
EXPOSICIÓN. PROYECTOS IV
Profesor. José Hidalgo-Anastacio
MAAC
*
*
Imprimir

 

SOBRE EL HÁBITO DE HACER
Texto articulado por José Hidalgo-Anastacio; en compañía crítico-productiva de Julia Coronado, Dayana Parrales, Diego Kang, Juan Carlos Castro, David Orbea y las conversaciones personalizadas con cada uno de los artistas expositores.  
 
Al hablar del hacer desde el arte no sólo se hace referencia a un accionar o al trabajo, sino también a un tipo de pensamiento muy particular que aterriza especulaciones e ideas. El hacer convierte toda conciencia-en-torno-a en tangibles tentativas in-situ, que diversifican el cómo interpretamos el mundo y cómo parecen funcionar las realidades cotidianas; el hacer nos posibilita perspectivas desde la praxis que jamás se podrían alcanzar sólo a punta de razón y lógica.

Se trata entonces del hábito, no sólo de hacer; sino también de observar, de entender, de creer, de decir, de leer, vincular, de cuestionar, de ensayar, de aprender. Se trata del hábito de construirse y construir, no sólo enunciando; sino haciendo… Siempre haciendo.

Cuando ese hacer se torna hábito; como auto-disciplina se configura en un proceso tan instrumental como introspectivo; constituyendo a cada uno de sus resultado-productos en instancias de tránsito entre un universo concreto, propositivo e ideal, y un creciente corpus de latentes y múltiples escrutinios (políticos, éticos, estéticos…). Es allí; en esta tensa y sostenida conflictividad, donde el hábito de hacer adquiere su papel verdaderamente productivo y vital.    

Entonces; y sólo entonces es posible…

…Equiparar los test de color de las impresoras con el automatismo de las planas en el aprendizaje temprano a través del dibujo (Irina Liliana García).

…Caer en cuenta que el juego del hula-hula y el movimiento orbital interno de los átomos del universo tienen muchos puntos en común (Dayana Parrales).

…Descubrir que en cada envoltorio o caja de un artículo de consumo existe un potencial pictórico en ciernes, listo para ser estudiado y utilizado (David Orbea).

…Re-interpretar los procesos de escala matemática utilizados en la construcción de maquetas arquitectónicas, generando modelos contenidos y a escala de una vivienda de la Ciudadela “Las Orquídeas” (Sandy Sánchez).

…O decantar el ejercicio de derivas en posibilidades tan diversas como:

…Registrar, catalogar y generar un archivo de galaxias según la secuencia de Hubble; pero mirando hacia abajo, al asfalto del contexto barrial de toda la vida del paseante-artista. (Tyrone Luna).

…Traducir objetualmente un mínimo y fortuito accidente arquitectónico, que marca a modo de fantasmas otrora presencias de edificaciones en el espacio urbano (Andrés Velásquez).

 …O seleccionar fotografías de recorridos por la ciudad bajo el críptico concepto del aura circular, e intervenirlas con dibujos-incisiones de presencias orgánicas, fundamentadas en variaciones libres de los órganos involucrados en la percepción humana (Zoila Arroyo).

El hábito de hacer ha articulado la presente exposición, cada obra reflexiona sobre elementos de la cotidianidad contemporánea pero desde un cariz analítico, lúdico y en ocasiones paradójico; eso sí: Siempre haciendo conciencia de cómo los protocolos, herramientas teóricas, metodologías modélicas, e imaginarios científico-racionales sistematizan y estructuran nuestra experiencia de verdad… Nuestros acercamientos al mundo, nuestros modos de ser y estar en él.

Guayaquil, inicios del mes de marzo del 2015.
*
*
SONY DSC
*
SONY DSC
026388 ANTHL
David Orbea
Pintura acrílica sobre MDF
150 cm.   x   80 cm.   x   33 cm.
2015
SONY DSC
786105 MONDL
David Orbea
Pintura acrílica sobre MDF
220 cm. x 78 cm.
2015
*

SONY DSC

690231 LANJU
David Orbea
Pintura Acrílica sobre MDF
207 cm. x 128 cm.
2015
*
Me interesa apropiarme de las convenciones visuales del color y la forma en el diseño de objetos comerciales. Con este fin analizo, estudio y edito la configuración de cajas o empaques de diversos productos, proponiendo experimentos pictóricos en mediano y gran formato; acercando así los patrones/estructuras compositivas propias de la imaginería mercantil al universo de la pintura y su tradición formal-abstracta.
*
*
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
 S / T
Irina García
Tinta (de impresora) sobre cartulina
32 cartulinas formatos A4
2015
 *
A través de este trabajo emulo las primeras pruebas de color que expulsa la impresora para calibrarla antes de ser usada; pero lo hago reflexionando sobre el parecido visual y programático que tienen estas pruebas con los repetitivos ejercicios caligráficos que realizamos al aprender a escribir (la plana). Abordo la pureza física del color industrial ya que hago estas pruebas/planas con las tintas de impresora, pero planteando una especie de paralelismo entre la mano del artista y la máquina.
*
*
SONY DSC
Hula-hula
Dayana Parrales
Instalación de aros de madera desplazados en el espacio
Medidas variables
2015
*
Mi propuesta consiste en llevar a cabo secuencias horizontales de aros de madera, suspendidos en el espacio y dispuestos a distintas inclinaciones, a modo de un estudio lúdico que relaciona los movimientos progresivos del hula-hula con las trayectorias de los electrones alrededor de los distintos átomos de la naturaleza. Esta obra incluirá de manera paulatina todos los átomos conocidos del universo; pero para la presente exposición he seleccionado 12 átomos, en función de sus características de conductividad (hidrogeno, oxigeno, carbono, nitrógeno, magnesio, potasio, azufre, fosforo, calcio, entre otros).
 *
*
SONY DSC
Permanencia
Andrés Velásquez
Objetos en cemento
96 cm.   x   96 cm.   x   5 cm.
2015
*
Permanencia es una obra que parte de mis derivas por la zona centro-sur de Guayaquil, y consisten en la interpretación en cemento y a escala de las formas residuales (huellas) originadas en las paredes vecinas tras la demolición de una casa. Con Permanencia I trato de registrar y hacer concretas esas marcas que ubican el “fantasma” de la presencia arquitectónica que ya no está, un índex de su anterior existencia como espacio tridimensional, vivo y habitable.
*
*
SONY DSC SONY DSC
Galaxity (según Hubble)
Tyron Luna
29 fotografías tipo Sherpa
Formatos A3
2015
*
En las calles la suma de factores genera rastros de un descanso automotor.
Evidencias que detienen mi caminar en días de invierno.
Sólo resta ser espectador del multicolor efecto.
Ligera lluvia, asfalto húmedo,   luz matinal, una deriva; y yo…
Yo buscando mundos con la mirada baja.
Entonces contemplación,
Entonces la cámara se dispara… Y llega el rapto.
Se congela el más iridiscente desperfecto automotriz,
     Todo estampado en un pavimento estrellado.
                       Memoricé matrícula, tipo, tiempo, data.
                                                         El universo se está codificando.
*
 *
SONY DSC
SONY DSC SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
Nudo de un extravío
Zoila Arroyo
55 Fotografías intervenidas
Formatos y montaje variables
2015
*
 Nudo de un extravío es un proceso que inició con fotografías hechas durante recorridos por la ciudad; el escogimiento de éstas por medio del aura circular, (un término que construí para referirme a imágenes relacionadas con el comienzo, lo cerrado, el sin fin, el retorno); y la asociación de cada fotografía seleccionada con partes del cuerpo. De esta forma Nudo de un extravío es un conjunto de combinatorias de esos registros de mis recorridos (miradas de carácter subjetivas del espacio público) intervenidos con dibujos de órganos sensoriales, a modo de metáforas-binomio que vinculan los espacios y sus características de tránsito con la intimidad del cuerpo sensible… Vista – entrada   // salida Sexo – descubrimiento // Neuronas-Mente //   infinitud-Corazón   //   incertidumbre-Manos   //   andar- Pies   //   llegada-Piel   //   opresión, boca – océano…
*
SONY DSC
SONY DSC
1.100 – 1.15
Sandy Sánchez
Maquetas de vidrio a distintas escalas
51 cm. x 43 cm. x 29 cm.
2015
*
Con 1.100 – 1.15 trato de re-interpretar los procesos de escala matemática utilizados en la construcción de maquetas arquitectónicas, generando versiones en vidrio y a escala de una vivienda de la Ciudadela “Las Orquídeas” (Guayaquil-Ecuador). De este modo propongo una secuencia de cuatro escalas del modelo original y programático de mi casa familiar, contenidas unas en otras, y correspondientes a las escala 1 – 100 (la más pequeña e interna) hasta 1 – 15 (la más grande y externa).

*

*

*

La distancia que va del horizonte al abismo
EXPOSICIÓN. DIBUJO VI
Profesor. Daniel Alvarado
NoMíNIMO
*
10985056_1072149452811541_9184389074572664775_o
*
La distancia que va del horizonte al abismo
Por Daniel Alvarado

La presente exposición se suscribe al ideal de medir el vacío que nos constituye como seres sociales, descentrados, desmembrados y arrojados a un territorio inestable; es decir, sin la mediación de aquellos paradigmas con los cuales el pensamiento occidental ha condicionado nuestra (auto)concepción de la vida. En esa medida, el proyecto se sitúa fronterizamente entre aquellas pretensiones racionalistas que buscan asegurarnos un territorio de estabilidad simbólica -un horizonte provisorio de sentido- y la constatación reiterada de nuestra caída libre en medio de un abismo atópico, pero singularmente proactivo para el presente disgregado (STEYERL, 2011).

Bajo dicha premisa hemos acudido al ejercicio del dibujo, asumiéndolo como una forma descentrada del entendimiento capaz de problematizar y desacomodar las estructuras mentales/sensibles con las que construimos nuestras nociones de la realidad y le conferimos orden al mundo. Justamente desde ese lugar creemos que es posible develar espectros -como imágenes- que activen un relacionamiento más auténtico con la vida, uno capaz de replegar creativamente los constructos que aun hoy la determinan perversamente.

Hito Steyerl. (2011). In Free Fall: A Thought Experiment on Vertical Perspective. 2015, de E-flux Journal Sitio web: http://www.e-flux.com/journal/in-free-fall-a-thought-experiment-on-vertical-perspective/

*

 

SONY DSC
*
SONY DSC
*
Reserva 1935 – 1948
Elías Aguirre
Video animación
Medidas variables
 2015

Con Reserva 1935 – 1948, Elías Aguirre busca desdibujar un relato en sus infinitas líneas narrativas, sometiendo su discurso ideológico a un laberinto formal que lo vuelva inaccesible. El objeto de esta operación es un conjunto de dibujos animados que datan entre 1935 y 1948, y que poseen un fuerte componente propagandístico. Con la descomposición y recomposición de frames, que ubican escenas donde intervienen aves, el autor diversifica las posibilidades de representación que estos registros poseen “naturalmente”. Así, pone de manifiesto la estructura formal que sustenta la “normalidad” de su narrativa y, además, la transgrede intensificando su carácter artificioso a partir de la construcción infinitesimal de su propia reserva.

*

SONY DSC
 
 *
S/t.
Ámbar Pilay.
Video animación
2015.
S/t, de Ámbar Pilay, valiéndose de tecnologías digitales de modelado, reúne en una animación tridimensional una polifonía de acciones que van siendo desarrolladas autónomamente por volúmenes esféricos. En ese escenario, el grado de objetividad atribuido a las formas geométricas pasa a ser tamizado por una construcción narrativa abierta, móvil y carente de lógica. Como consecuencia de ello, se le termina confiriendo personalidad poética a una construcción visual (y de pensamiento) cuya racionalidad termina siendo solo aparente
 *
*
 *
SONY DSC
1-D
Boris Saltos
Serie de 7 collages
Recortes procedentes de libros de dibujo académico y pintura s/ pared.
2014-2015.
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
(Detalles)

La serie 1-D, de Boris Saltos, busca poner en entredicho nuestra concepción del espacio y la configuración del cuerpo en él. Para ello, parte del despliegue ortográfico de sus formas estandarizadas. En este caso, la propuesta logra una reivindicación desenfadada de la línea y de la forma –elementos procedentes de la tradición del dibujo académico- aun cuando lo que subrayan es la des-funcionalización de su sentido de bidimensionalidad.

*

*

SONY DSC
SONY DSC
Métodos para buscar lo posible.
Mónica López
Papel milimetrado, rama y hojas intervenidas químicamente. Medidas variables.
 2015
*
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
(Detalles)
*

La propuesta de Mónica López, Métodos para buscar lo posible, combina naturaleza y cultura. Situada entre el devenir temporal de un paisaje y la dinámica de su representación, esta delicada pieza perenniza su propio espectro. Y es que sobre la rama de un árbol se ha realizado una intervención química cuya consecuencia primordial es la desnudez de su estructura interna. Con dichos elementos se conforma un estudio cartesiano que busca dar sentido a la dinámica de su fragmentación. Por esa vía, la materia efímera de la que está hecha tanto como su residuo imperecedero terminan compartiendo la misma espacio/temporalidad.

*
SONY DSC
Evidencias
Luis Medina.
Políptico
Dibujos a pequeña escala realizados en tinta sobre cartulina. Medidas variables.
 2015
*
SONY DSC
SONY DSC

SONY DSC

(Detalles)

En Evidencias, de Luis Medina, la captación de lo diminuto, lo inadvertido y lo residual proporciona una sensación de contexto a través del ordenamiento y disposición de los diferentes elementos que configuran un espacio. Como acumulación de registros subjetivos, esta pieza pone de manifiesto el carácter móvil e imbricado de la vida cotidiana al proyectarse sobre el espectro social más amplio; por esa vía, desde lo que está ahí (aquello que yace a pesar de todo) logra proporcionar su manifestación inefable y nostálgica.

*

SONY DSC
 
 *
Carroñero
José Pinto
Video proyección.
Medidas variables
2015

Un símbolo puede estar hecho de carroña. Al menos así lo proyecta la pieza de José Pinto, llamada precisamente Carroñero. Su video-animación nos propone el vuelo errático de un cóndor –emblemática figura de nuestros imaginarios patrios-mientras se va desintegrando por encima de cualquier horizonte reconocible. Deviene, en ese sentido, pertinaz metáfora de un destino que está condenado perversamente a repetirse en el tiempo.

 

*

SONY DSC
SONY DSC
Electrodibujocardioscopio 2M Pro
Luis Andaluz.
Objeto instalativo formado a partir de una esfera giratoria con luces de colores, una estructura de alambre y lupas.
2015.

Con un instrumento llamado de forma burlona Electrodibujocardioscopio 2M Pro, Luis Andaluz subvierte las lógicas del visionado científico micro y macroscópico. Partiendo de la superflua y contrastante combinación de una bola de luces discotequera y un sinnúmero de lupas de uso común, este dispositivo llega a proyectar espectros que se suspenden extrañamente en el espacio como si fueran bacterias lumínicas, contradiciendo el normal funcionamiento de la fuente de la que proceden. La explicación de este fenómeno óptico es opacada por la poética imagen que genera su display: un sinsentido.

*

*

*

Andamiajes de Vigilia
EXPOSICIÓN. Pintura IV
Profesor. Dennys Navas
Galería DPM
*

Afiche Final

*

El estado de vigilia se expresa en una serie de parámetros como son las sensaciones, las percepciones, la atención, la memoria, los instintos, las emociones, los deseos, el conocimiento y el leguaje. En efecto, Andamiajes de Vigilia se presenta como un estado que se caracteriza por un alto nivel de actividad practica/mental en constantes construcción y remodelación.

SONY DSC

SONY DSC

SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
SONY DSC
*
*
SONY DSC
14:00
David Orbea
Acrílico sobre lienzo
200 x 135 cm
2015
SONY DSC
12:30
David Orbea
Acrílico sobre lienzo
200 x 131 cm
2015
SONY DSC
20:17
David Orbea
Acrílico sobre lienzo
150 x 150 cm
2015

David Orbea se apropia de imágenes ya existentes de mass media, para luego fragmentarlas o alterarlas. Orbea busca desmitificar o desvalorizar el poder estructural que tiene la imagen mediática, donde estas narrativas muchas veces son construcciones ficticias o alteradas de la realidad. Como resultado obtiene imágenes que apelan a una construcción de convenciones, un texto donde la realidad se confunde con la ficción o viceversa. En ese sentido existe un constante juego entre lo figurativo y la abstracción y cuando sus límites son imprecisos, gracias a dichas convenciones visuales podemos tener algún hilo conductor (o no).

SONY DSC
Categorias 2
Andres Velasquez
Óleo sobre lienzo
 Políptico 105 x 60 cm c/u
2015
SONY DSC
Categorias 1
Andres Velasquez
Óleo sobre lienzo
 Políptico 30 x 25 cm c/u
2015
SONY DSC
S/t
Andrés Velasquez
acrílico sobre lona
200 x 150 cm
2014

Andrés Velásquez usa la arquitectura desde sus cimientos, estructuras y formas. Cada uno de estos elementos se convierte en decodificadores del paisaje. Paisajes deshumanizados, representaciones de un orden caótico, donde el juego de formas suspendidas sobre el paisaje hace un señalamiento a estos rascacielos, donde la idea del cielo como un límite es confrontada desde el suelo.

 *
SONY DSC
Visual evidence of antilope rape
Carlos Robalino
Acrílico quemado sobre madera quemada
200 x 120 cm
2014
*
SONY DSC
Suicide cab
Carlos Robalino
Acrílico quemado sobre madera quemada
250 x 120 cm
2014
*
SONY DSC
Cat always win
Carlos Robalino
Acrílico quemado sobre madera quemada
40 x 25 cm
2014

La propuesta de Carlos Robalino plantea crónicas siniestras sumergidas en un mundo dark. La opulencia, la fantasía, la ficción y personajes antropomorfos se pueden encontrar en estos oscuros mundos. La madera se convierte en el soporte fundamental de su trabajo esta misma es sometidas a fuego, teniendo una alteración física donde la cromática toma un efecto de negativo y fantasmagórica.

SONY DSC
SONY DSC
My housing estate
Sandy Sanchez Valdivieso
Hilo sobre tela
200 x 150 cm
2015
*
*
SONY DSC
Sr: Jorge Méndez y Sra. Abril/ 2001
Sandy Sanchez Valdivieso
Hilo sobre tela
225 x 135 cm
2014
*
 *
SONY DSC
Procesos de fuerza interna (Auto fortalecimiento) 
Diego Van Der Kang
Grafito y tempera sobre lienzo
280 x 160 cm
2015
*
SONY DSC
Baishishan
Diego Van Der Kang
Carbón y óleo sobre tela
180 x 150 cm
2015

Diego Kang indagando en sí mismo encuentra un potencial para producir. Se pregunta sobre el origen de su apellido y esto lo lleva a imaginar batallas, combates y migraciones que ha su sufrido la dinastía que el mismo ha creado (La dinastía Van der Kang). Para las recreaciones de estos sucesos toma como referencia momentos históricos, como por ejemplo: la Rebelión de Taiping de la cultura China. De esta manera re-articula una autobiografía paralela sumergida en un imaginario sociocultural.

Sin título
Querubines II
Tyron Luna
Mixta sobre lienzo
185 x 148 cm
2015
SONY DSC
Hermano mellizo adoptado
Tyron Luna
Mixta sobre lienzo
190 x 150 cm
2014
*
SONY DSC
Querubines IV
Tyron Luna
Mixta sobre lienzo
185 x 148 cm
2015

Tyrone Luna en su caminar diario, en su contexto barrial decide registrar, catalogar y generar un archivo de personajes únicos e interesantes con los que él ha tenido algún tipo de contacto. Retrata al loco, al pana del barrio, al bacán etc. Luna nos muestra estos personajes en anonimato festivo pero también los vuelve afamados y exuberantes.

*

SONY DSC
De la serie “Entre el sueño y la vigilia”
Luis Alberto Chenche
Látex sobre cartón
244 x 122 cm
2015
SONY DSC
De la serie “Entre el sueño y la vigilia”
Luis Alberto Chenche
Látex sobre cartón
244 x 122 cm
2015
*
SONY DSC
De la serie “Entre el sueño y la vigilia”
Luis Alberto Chenche
Látex sobre cartón
95  x 10 cm
2015

Chenche reconstruye por fragmentos imágenes de su álbum familiar, lo onírico y lo frágil de la memoria está presente en su trabajo. Estas imágenes al ser modificadas y reinterpretadas por el artista son también sometidas a un ejercicio de relectura de sus recuerdos, lo que la memoria borra y deja prevalecer. A través de lo informal y lo precario intenta acercarse a eso que él llama “estar en el estado intermedio del sueño y la vigilia.”

*

S0041278 (1)
S/t
Priscila Ortega
Acrílico sobre lienzo
150 x 150 cm
2015
*
*
prisc
Fear el miedo
Priscila Ortega
Acrílico sobre lienzo
150 x 150 cm
2015

Priscilla Ortega crea un personaje hibrido una especie de “alter-ego”. Este personaje muestra su propio cuerpo en una mutación y desmembramiento constante. Estas imágenes son el resultado de un nexo real y simbólico que la artista formula a partir de raíces propias o adquiridas como es el caso de su particular interés por la cultura Japonesa.

*

*

*

Elipsis/Agujero 
EXPOSICIÓN. Puesta en escena
Profesor. Jorge Aycart
Maac
*
1507367_1081105745249245_2032970360644943375_o
*
*
1

3

6

SONY DSC

SONY DSC

SONY DSC

4

  5

*
Sobre Elipsis/Agujero 
Jorge Aycart

El terror que se presenta cuando la función del anclaje desaparece y el lenguaje se enfrenta a los sentidos flotantes que nacen de un mundo que se proyecta, simultáneamente, como aquello que se oculta y como aquello que, desenfrenadamente, nombra a ese mundo como pura imposibilidad de lo posible imaginado. Ese es el agujero, el que se encuentra en lo que Bonitzer, pensando en Ruiz, llamó “el fuera de campo absoluto”, un discurso que buscaba accionar una conspiración de la creatividad desatada de lo asociado.

Esto es lo que plantean los videos, evidenciar el funcionamiento del cerebro como un mapa infinito de conexiones que, sin embargo, parten del mundo identificable. Ese es el terror beneficioso que alimenta la alegría del espectador, algo similar a lo que escribió Yves Bonnefoy : “A un gran realismo que agrave en vez de resolver, que designe lo oscuro, que considere las claridades como nubes siempre desgarrables. Que anhele una alta e impracticable claridad”

*

 

The last speech 
Elias Aguirre
2015
*
*
Kalte
Marco Antonio Saenz
2015
*
*
Dana chateau
Juan Carlos Vargas
2015
*
*
SCHWOB
Xavier Coronel
2015
 *
*
Indeleble
Ericka Olivares
2015
*
*
Paolo Uccello: Pintor
Boris Saltos
2015
*
*
Piladora
Jose Pinto
2015
XXXIIICXLVII
Ricardo Jordán
2015

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Abrir la barra de herramientas