Karaoke Orquesta Vacía. Temporada en el ITAE (julio)

On 13 julio, 2012 by investigacion
Teatro- ITAE

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 ENTREVISTA A SANTIAGO ROLDÓS por Lupe Álvarez

 
  • A propósito de la nueva temporada de Karaoke en el ITAE. He visto 4 veces la obra. Siempre me impresiona cómo se tejen en ella los avatares sociales y las biografías de sus personajes. La precariedad  de nuestras repúblicas, los desencantos ante las sucesivas caídas de los ideales utópicos, nuestros sainetes políticos, asoman hilvanando los traumas de cada uno: esos en los que pesan las construcciones culturales que están detrás de sus roles, las mismas que marcan las tensiones entre lo que cada uno se ha exigido a sí mismo y lo que ha podido ser. Sin embargo, es una obra escrita por un solo autor, Santiago ¿podrías hablar un poco sobre el proceso de escritura y de dirección que cataliza estas conjunciones?

El texto “nodriza” del espectáculo (pues concibo mi escritura para el escenario, aun cuando luego ella se pueda “editar”, un término igualmente ambiguo) se llamaba “Él y Ella”. Era una serie de diálogos entre dos personajes informes, retazos alterados y monstruosos (es decir: románticos y espantosos) de personas que me fueron más o menos familiares (espantosas y románticas). Cuando el texto estuvo semi listo (no tenía exactamente un final, porque tampoco tenía precisamente un inicio) se lo presenté a mis compañeras de grupo, y ellas dijeron qué lindo y acto seguido lo destriparon. Mediante improvisaciones en el espacio, a partir de una sola palabra o de una imagen o incluso un tema que alguna escena les hubiera sugerido, ellas y yo, ahora como actor, creamos situaciones y personajes no plantead@s en la estructura “nodriza”, de la cual iba quedando cada vez menos, pues lo que se produjo fue la reescritura de la obra. En todo caso, creo importante señalar que Bárbara Aranda, Marcia Cevallos y Pilar Aranda fueron muy conscientes y expresas en cuestionar-me que los conflictos del texto original no eran exclusivos de mi memoria, ni siquiera de mi experiencia. Además de positivo para el espectáculo, fue muy bueno para mí, en términos humanos. En todo caso, lo que intento decir es que para mí es muy complejo separar los procesos de actuación, dirección y escritura “dramática” (pongo el término entre comillas porque como ser heredero de Brecht me peleo mucho con la idea de drama; y, al igual que él, no puedo/ni en verdad quiero renunciar a ella). Para mí lo más importante de estos procesos es la naturaleza colectiva del teatro, es decir: aquello que de social-colectivo el teatro te da, en la dimensión más pequeña, en la realidad. De ahí que, a pesar de que algunas de las teatralidades que más me han interesado en los últimos lustros, como la del Ciervo Encantado o Rodrigo García, o el mismísimo San Heiner Müller, se fundamenten en gran medida en su desconfianza o franca abominación de él, el diálogo es una algo que yo rescato mucho en el teatro.

 
  • Karaoke es una obra en la que el texto pesa mucho, sin embargo, hay un sólido trabajo corporal que desplaza lo literario hacia la expresividad del cuerpo y su dominio del espacio escénico. ¿Es este balance parte inalienable de vuestra poética?

Diría que absolutamente, si no fuera porque pienso que la cuestión es incluso más imbricada. El texto, la palabra, es para nosotr@s cuerpo. Cito mucho a Brecht, pero en realidad mi verdadera inspiración a la hora práctica del trabajo es Artaud (que como sabes fue un fracasado, lo cual me parece fundamental a la hora de crear). Y no cualquier Artaud, sino uno pasado por Derrida. Es decir, no solo por el compromiso con la eternidad del juego (en el doble sentido lo etéreo, que sólo es in-mortal porque se desvanece). Pero para hablar con mayor precisión debería decir que mi más grande inspiración es Pilar, Pilar mi compañera de ruta, Pilar mi compañera de vida, Pilar mi compañera de trabajo. Fue ella la que en un momento dado, en la misma génesis del grupo, puso el dedo en la yaga, respecto a la pobre formación que habíamos recibido en la escuela mexicana en el terreno del teatro físico (por llamar pobremente a lo que en realidad sería, sin apellidos, “el teatro”). Por otro lado, esta centralidad del trabajo del actor-la actriz como dramaturg@ del espacio, no es una cuestión técnica ni estética, sino ética, la centralidad de la densidad cúbica de nuestra existencia. Concluiré diciendo que nunca he creído en las oposiciones entre “teatro de imagen”, “teatro físico” y “teatro de texto”. Pienso que hay muchas maneras de hacer mal teatro.

 
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  • La música ha sido siempre un personaje en esta obra aportando referentes, contenidos importantes y sirviendo también de puente con el público dado el carácter emblemático de la mayoría de las piezas. En la puesta reciente vemos un importante trabajo con música original compuesta por Manuel Larrea. ¿Puedes hablar un poco del sentido que aporta esta modificación?

Perdimos algunos referentes directos a la cultura pop, pero ganamos en una referencia diríamos introspectiva. Es como si esta música original nos lleva a lo que el Karaoke produce al final de sus patéticas sesiones: el desnudamiento detrás del artefacto. Inicialmente, el reto para Manuel, que es uno de los artistas que más admiramos desde que nos establecimos en Guayaquil, fue que tenía que componer con una métrica y un marcaje preestablecidos. Pero él complejizó la cuestión aún más, pues lo que logró, desde mi punto de vista, fue algo parecido a lo que mis compañeras hicieron con el texto nodriza: desgarrar los temas, no simplemente musicales, sino sonoros. Sacó o compuso la música del movimiento mismo de las actrices y el actor en el espacio. Tuvimos apenas un par de sesiones junt@s, pero fueron geniales. Es un tipo casi tan neurótico como yo, incluso más, a la hora de exigir, con la misma pasión, precisión y libertad, de modo que fue y es un placer trabajar con él. Lo digo porque está colaborando, ya no sólo como compositor, sino como Director Musical, en nuestro nuevo proyecto, “Ensayo sobre la soledad”.

 
  • Te he escuchado algunas veces reclamando la pertinencia de la disciplinariedad en nuestro contexto a pesar  del potente impulso hacia la transdisciplinariedad, que se impone en general en la actualidad cultural y académica no sólo en nuestro país. ¿Se trata de una postura un tanto esencialista, o de un posicionamiento estratégico?

Nunca he reclamado la pertinencia de la disciplinariedad, sino de la disciplina. Sin recurrir al diccionario, propongo que la gran diferencia entre una y otra tenga que ver con el carácter productivo militar de la primera, y el carácter deportivo, incluso marcial (pensando en las artes marciales) de la segunda. Cité a Artaud. El teatro contemporáneo no sería lo que es si no fuera por la entrada del deporte a él, en muchos casos a cargo de algunos de los más divertidos discípulos, franceses o no, de Artaud. Es esa disciplina la que reclamo, en cualquier género o contexto (aquella que logra el maestro emancipado de Jean Vigo en “Cero en conducta”, en esa extraordinaria secuencia en la que sus estudiantes no necesitan presión, sino la tensión del juego, para no perderse, sino bucear, rizomáticamente, en la deriva de las calles de la ciudad). El arte es un juego, pero un juego en serio. Y “en serio” significa aquí compromiso con el entrenamiento diario, la auto exigencia permanente y la dificultad del trabajo colectivo que el teatro es. Supongo que la transdisciplina, como diálogo/confrontación/cuestionamiento de disciplinas diversas, hasta dinamitar los bordes de cada una, multiplica y complejiza todo eso, todo ese juego, toda esa dificultad. Si no, lo que quizás tengamos es una moda o un término que oculta la simple falta de rigor en pos del espectáculo. Por esa vía la transdisciplina no creo que sea tal, sino teatro o arte comercial posmoderno. Pero sí, me parece fascinante la posibilidad de dinamitar los bordes. Es a lo que nos dedicamos las actrices y los actores.

 
Karaoke Orquesta Vacia-ITAE-Teatro

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